« Conscientious Photography Magazine est un site internet dédié à la photographie artistique contemporaine fondé par Jörg M. Colberg en 2002. On y trouve des profils de photographes, des entretiens approfondis, des critiques de livres et des articles généraux sur la photographies et ses enjeux. »
[Lire la suite sur la page About de Conscientious Photography (en anglais).]
L’auteur y creuse la question de savoir ce que la photographie en général, et le livre de photographie en particulier, peuvent dire du monde d’aujourd’hui, et à qui. La pertinence et la franchise de sa pensée m’ont donné envie de la rendre accessible, à ma modeste mesure, à un public francophone.
En juillet 2015 j’ai proposé à Jörg de traduire certains de ses articles en français, ce qu’il a accepté.
Les textes seront choisis selon mes centres d’intérêt.
Je suis assailli au quotidien par un déluge d’images banales, rassemblées en projets « sur » tel ou tel « sujet ». Les photographies aujourd’hui doivent systématiquement « avoir un sujet ». Les images ne peuvent jamais simplement être des images.
J’ai lu récemment un entretien avec Moyra Davey où il était question du rôle du texte associé à la photographie. « L’écriture véhicule des idées et des sentiments d’une manière très stable, affirme Davey, alors qu’une photographie est ambiguë et peut être source de distorsions bien plus importantes que le texte. » À la lecture de ces lignes j’ai d’abord acquiescé.
L’engouement pour le livre photo est arrivé à un point culminant, un point qui en ce moment ressemble surtout à une ligne de crête. En tant que vecteur d’utilisation et de diffusion des photographies le livre est désormais un outil largement reconnu. Réalité qui, de mon point de vue, éclipse les inévitables excès accompagnant le phénomène.
Voilà un moment que je voulais aborder ici une question apparemment pressante, ou du moins qui l’est à mes yeux, et qui revient souvent lorsqu’on discute avec des photographes et des critiques : les concours et les prix.
En 1993 au Soudan, le photographe Kevin Carter photographiait un enfant famélique, un vautour en arrière-plan. L’image a fait grand bruit pour toute une série de raisons. En particulier, le photographe s’est vu accusé de n’être pas venu en aide à l’enfant.
La photographie entretient un lien évident avec la mémoire et l’identité, mais je ne suis personnellement pas sûr que ce lien soit si simple qu’on veuille bien le présenter communément. Peut-être ne s’agit-il pas tant de ce que la photographie est, que de l’usage que nous en faisons.
Le sujet que je souhaite aborder ci-après n’est pas restreint au monde de la photographie, loin s’en faut.
Il n’est pas rare en ce moment de tomber sur des communiqués de presse ou des notes d’intention de photographes où les photographies sont présentées comme étant tantôt une exploration, tantôt une enquête. « Ces photographies explorent… », « ces photographies enquêtent sur… ». Cela me fait chaque fois réagir. Il y a beaucoup de gens sur cette terre qui peuvent se dire explorateurs ou enquêteurs. Mais les photographes (et les artistes en général) n’en font pas partie.
Cortona on the Move (CotM), festival de photographie toscan basé dans un village pittoresque à souhait, a ajouté cette année à son programme un prix visant à récompenser une maquette de livre de photographie. Ses organisateurs m’ont invité à en être le juré.
Une des croyances les plus dangereuses portant sur la photographie est l’idée que les images ont du pouvoir.
Nous inclinons à lire dans les images des choses qui ne s’y trouvent pas vraiment, et ensuite nous critiquons ceux qui les ont prises, les personnes représentées ou le contexte dans lequel elles s’inscrivent, omettant de prendre en compte notre propre rôle dans cette lecture.
Il y a une expression allemande qui veut dire littéralement « poursuivre une truie à travers le village ». De nos jours elle est utilisée métaphoriquement. Non pour signifier qu’une ou plusieurs personnes sont des cochons, mais pour parler d’un phénomène qui génère une énorme agitation, et où le but est en fin de compte que le vacarme et l’émoi suscités attirent davantage l’attention que les conséquences du phénomène lui-même. Au hasard : la manipulation dans le photojournalisme.
Il arrive fréquemment que des photographes me demandent comment faire pour mieux écrire sur leur propre travail. Ce n’est pas un sujet facile à aborder, et certainement pas sans recourir à des exemples spécifiques. J’ai résolu de me lancer tout de même, avec l’espoir que le lecteur intéressé par ce problème en retirera quelque chose.
« Je rencontre souvent les termes récit, narration, histoire, synopsis ou structure utilisés de façon interchangeable (sur des blogs, dans des articles, des tweets ou des discussions) », écrit Ingrid Sundberg, « ce qui, pour ma part est source de grande confusion ».
Un article récent au sujet des changements programmés dans le fonctionnement d’Instagram m’a fait réfléchir à la photographie en ligne et aux blogs. Je ne suis pas sûr que tout le monde sera d’accord, mais il me semble que la culture de la « bulle » entretenue par la Silicon Valley porte de plus en plus préjudice à la photographie sur Internet.
Je ne sais ni comment ni par où l’on ferait passer une ligne séparant la photographie artistique de la photographie non-artistique. Mais il se pourrait qu’une telle séparation ait un rapport avec l’idée que la photographie artistique est fluide et ouverte à l’interprétation, tandis que la photographie non-artistique ne l’est pas.
Dans mon travail de critique, il m’est arrivé récemment de parler de certaines photographies en tant qu’elles étaient faites pour avoir l’air de photographies. Une forme de critique un peu absurde au premier abord, tant une photographie a toujours l’air d’une photographie. Ce que j’essaie d’établir va chercher un peu plus loin, ou peut-être, devrais-je dire, va chercher ailleurs.
Il y a quelques temps j’ai lu sur Amazon un commentaire au sujet d’un livre de photographie, rien que ça, auquel on avait attribué trois étoiles en ajoutant ces mots : « ce n’était pas exactement ce que je croyais ». Autrement dit, ce lecteur avait noté ses propres attentes plutôt que le livre lui-même.
Dive Dark Dream Slow, de Melissa Catanese, est sans doute l’une des tentatives de recontextualisation de photographies vernaculaires les plus réussies et les plus excitantes de ces dernières années. Ce type de photographie et ce type de projet étant tous deux désormais largement acceptés dans le champ de la photographie artistique, j’ai voulu en savoir plus, à la fois sur le livre et son auteure. La conversation qui suit fut menée par courriel sur une durée de quelques semaines.
Dans une large mesure, la photographie a désormais pour seule préoccupation la production de clichés visuels. Cette évolution concerne tous les genres de la photographie, quelles que puissent être au premier abord leurs différences (au plan visuel ou fonctionnel).
« Il faudrait qu’une photographie soit plus intéressante que son sujet, et transcende son évidence ». Imprimez cela, et affichez le dans un endroit bien visible.
Face à la représentation d’un lieu, je me demande parfois ce que j’en penserais si c’était chez moi. Si j’étais originaire du Congo, par exemple, que penserais-je, que ressentirais-je devant les photographies décoratives de Richard Mosse, aux couleurs acidulées, qui rencontrent un si grand succès dans le monde de l’art ?
Comment comprendre une photographie ? Quelle est sa signification ? Comment acquiert-elle sa signification ? Voilà longtemps que le médium est pris dans le tourbillon de ces questions. Les réponses s’avèrent plus difficiles à établir qu’on ne le penserait. Pourquoi ? Comment se peut-il qu’un médium permettant si facilement de prendre une image se révèle si difficile à comprendre ?
Un des défis majeurs pour un photographe est sans doute de résoudre la question de son positionnement : en quoi consiste au juste mon travail ? Par « positionnement » je n’entends pas : sur le marché photographique. Lorsqu’on se confronte à ce médium étrange qu’est la photographie, le rapport au marché ne doit intervenir qu’en dernier lieu, et encore.
Il y a quelques semaines j’écoutais un photographe parler de son travail. Il était question des marchés financiers et de leur fonctionnement, et en particulier de l’exécution informatisée des transactions financières et de l’accélération de cette tendance.
Ces derniers mois j’ai consacré beaucoup de temps à m’interroger sur ce que je fais. Plus précisément, j’ai beaucoup réfléchi au rôle de la critique dans la photographie contemporaine. Qu’est-ce que la critique ? À quoi est-elle censée servir ?
Un spectre hante le « photoland » : le spectre du public. Il surgit à tout bout de champ, d’une façon ou d’une autre. Manifestement, les discussions concernant les réseaux dits sociaux se concentrent sur la question de savoir comment créer et accroître son public. Beaucoup de ces discussions, sinon toutes, ayant tendance à être autoréférentielles, il y a rarement grand chose à en apprendre. On peut pourtant se demander quelle est la finalité de tout cela…